The Waterboys - 29/11/2025 - Sala Mamba (Murcia).

01/04/1990 El Irlandés Volador. Entrevista Domain Decoret.

El Irlandés Volador regresa con un álbum que está terminando en Londres. Tu revista favorita no perdió la oportunidad de hacerle algunas preguntas sobre su próximo regreso.

¡Sorpresa! ¡D.E.P.! Rory se ha hecho fan de la Telecaster.

Romain Decoret

Rory Gallagher comenzó su carrera musical en 1963 en una Showband irlandesa, interpretando a Chuck Berry y Billy Bill Broonzy junto con los éxitos populares de la época. Permaneció tres años. En 1967, fundó Taste, un trío sin duda inspirado en Cream, pero con influencias del jazz y un toque rockero. Tras dos álbumes repletos de riffs, la banda se separó en 1970, y Rory lanzó su carrera en solitario en 1971 con un álbum en tonos sepia cuya simplicidad y sobriedad siempre han sido elogiadas por aficionados de todo tipo (¿con plumas?).

Más allá de los clichés de pub/Guinness/Irlanda, el principal logro de Rory Gallagher es haber sorteado los tediosos setenta y los electrónicos ochenta sin que su música flaqueara jamás. Su estilo personal es una síntesis natural de blues, hard rock y folk que no tiene nada que ver con el comercialismo. Eso se llama integridad, y no es algo que se compre en un supermercado.

¿Cómo se grabó tu siguiente álbum y por qué esperaste tanto?

Necesitaba un descanso después de un largo periodo de gira y tiempo para familiarizarme con las técnicas de grabación digital. Empecé este álbum el año pasado en Radan Studios con una consola vieja, elevada para conseguir un sonido más cálido, natural y básico.

Luego me llevó un tiempo convertirlo todo a digital sin perder la calidez del sonido, ya que las frecuencias cambian durante la conversión.

El otro problema que encontré fue la competencia de los ingenieros de sonido. Estoy produciendo el álbum, y los sonidos que se escuchan son los de Memphis o Chicago. Me costó encontrar técnicos que entendieran que no quiero un sonido anticuado; ¡busco un sonido auténtico! La mayoría me llamaron loco en cuanto les pedí que apagaran el Dolby, por ejemplo.

Finalmente, todo salió bien. Empecé las sobregrabaciones en el estudio Maison Rouge de Londres, y el álbum está casi terminado.

¿Quiénes son los músicos que tocan en el álbum?

Los mismos que me acompañan en el escenario. Gerry McAvoy sigue al bajo; tocó un Silvertone con una sola pastilla del bajo "lipstick".

Brendan O'Neil toca la batería, y Lou Martin y John Hook tocaron los teclados en algunos temas. También usé una sección de vientos en dos canciones.

Mark Feltham, mi armonicista habitual, toca en cuatro o cinco temas. Es fantástico. Antes de él, tocaba la armónica en mis discos, pero cuando escuché a Mark tocar, me enganché al instante. Puede tocar country al estilo de Charlie McCoy, y es tan bueno en el blues de Chicago como en el estilo de Luisiana, donde la armónica suena como un acordeón. Esto me recuerda que también usé un acordeonista en un tema llamado "King Of Zideco", dedicado al difunto Clifton Chénier, Gareth Watkins, un galés que toca con Dave Edmunds. También aparece en "Never Asked You For Nothing", otro tema zydeco muy relajado donde el baterista usa escobillas en lugar de baquetas. Como pueden ver, este álbum es muy arraigado, muy étnico.

Siempre has querido hacer un álbum acústico. ¿Sigues haciéndolo?

Por supuesto. La única razón por la que no lo he hecho todavía es que necesito más tiempo para componer canciones acústicas. Entiendes que la solución fácil sería hacer diez versiones de blues, folk y música irlandesa, pero nunca me ha gustado la solución fácil. Quiero que al menos dos tercios de las canciones sean originales.

Aparte de "Messin' with the Kid" y "Western Plains" de Leadbelly, no has hecho muchas versiones...

Algunas, sin embargo: "Pistol Slapper Blues" de Blind Boy Fuller, "I'm Moving On" de Ray Charles, "Don't Start Me Talking" de Sonny Boy Williamson. Para mi próximo álbum, he grabado más de veinte temas, y hay una versión: "Empire State Express" de Son House, que toco con la mandola. Es una mandolina tenor, afinada una octava más grave.

Tu estilo de guitarra se basa en la escala pentatónica, pero ¿de dónde vienen las demás notas? ¿De la música irlandesa?

Si hago un álbum acústico, seguro que habrá canciones irlandesas, pero es curioso, conozco el ritmo del folk irlandés. Tengo la actitud y la mentalidad, pero no la disciplina. Es otra forma de blues, basada en la música griega, ¿lo sabías? Es una música muy exclusiva, a la que hay que dedicarse de forma permanente.

Me interesé por el blues y el rock and roll demasiado pronto para ser un auténtico músico irlandés. Había algunos en mi familia, pero en cuanto escuché a Eddie Cochran, todos los demás se fueron por la ventana.

Te interesan las técnicas de grabación. ¿Tienes un estudio en casa?

 

Tengo una Yamaha Portastudio XMT-I y una grabadora de dos pistas con caja de ritmos integrada. También tengo una grabadora de ocho pistas, pero es mucho más compleja y no la uso mucho. Cuando tengo una idea en casa, necesito una máquina con un solo botón para pulsar, ¡si no, se me olvida lo que quiero grabar!

Por otro lado, en el estudio, me he familiarizado con la consola SSL y no tengo problemas; ahora tengo un buen control del sonido general.

¿Qué opinas de las reediciones de los álbumes antiguos en CD?

Han sido remezclados. Me gusta el resultado; hay una mejora notable en el sonido. También voy a remezclar "PhotoFinish" y "Deuce", que serán las dos próximas reediciones.

Hablemos de tus guitarras. ¿Aún conservas tu Stratocaster?

Claro. No la he dejado de lado desde que la compré en 1963. Las pastillas son originales, y el acabado también (risa contagiosa). Hace poco me compré una Harmony Stratocaster y una Les Paul Jr. del 59 con humbuckers Great Sound. También me regalé una Supro como la de Jimmy Reed. El sonido de las cuerdas graves es excepcional, muy funky, casi reggae. De hecho, en los discos de Jimmy Reed no hay bajista, solo Eddie Taylor en la segunda guitarra.

Tengo una Anniversary Strat que toco a menudo y una Greisch modelo Chet Atkins que aparece en dos temas del álbum. También tengo una National Steel Duolian modelo 1932. Estoy intentando conseguir otra.

Mi primo en Boston tiene una que es justo lo que quiero y se la voy a robar tarde o temprano. Te permite usar cuerdas ligeras, mientras que las mías sólo suenan bien con calibres gruesos.

Taj Mahal y John Hammond Jr. tocan con luces, y ese es el tipo de sonido que busco. Siguiendo con el tema acústico, tengo una Martin D35 cuyo sonido natural es realmente excelente. Está electrificada con una pastilla Ibañez en la boca y una Barcus Berry montada bajo el puente. Pero el sonido electroacústico resultante no me satisfizo del todo. Demasiados graves, debido a la resonancia del cuerpo dreadnought de la D35. Voy a probar la Gibson J-45 electroacústica; el bajista de Taste, Richard McCracken, quien era guitarrista antes de que se formara Taste, me prestó la suya para el solo de "Movin' On", y el sonido fue perfecto.

En el mundo de la guitarra eléctrica, debo confesar que me he vuelto un fanático de la Telecaster. En este álbum, usé una Telecaster blanca de 1963 y una Esquire del 53. Busco una Broadcaster porque no tiene tensor en el mástil y el sonido es diferente. El guitarrista de Procol Harum quiso venderme la suya hace unos años, pero dudé un poco porque estaba contento con mi Strat.

Mi vieja Strat es, obviamente, una auténtica pieza de coleccionista; llevo todas mis guitarras al escenario y de gira. David Gilmour tiene una colección increíble de Fenders y se niega a llevar la Strat n.° 4 o la Tele n.° 9. ¿Por qué? La vida es corta y un músico tiene que vivir el momento. Mejor usar todo lo que tenga a mano.

Muchos de mis instrumentos son más viejos que yo. Tengo una mandolina Martin O.M. (modelo Orchestra) de 1935. Terry Woods de The Pogues la pidió prestada hace poco para su último álbum. ¡Me lo devolvió con una afinación increíblemente sofisticada! Me costó un poco darme cuenta de lo que había hecho con él.

¿Usas mucho la afinación abierta?

Hoy en día no hay reglas de afinación. Cualquiera que funcione está bien. Pasé años estudiando afinaciones abiertas raras y diferentes y adquirí mucha experiencia porque ahora puedo tocar en afinación estándar y adaptar mis digitaciones para obtener el mismo resultado que con la afinación abierta. Solo tengo que subir un traste a una posición determinada o tocar un acorde determinado. Toco bottleneck en afinación estándar en mi Stratocaster o Telecaster y hago lo mismo que con afinaciones abiertas en Re o Sol.

Tengo una Gretsch Corvette en casa que parece una Gibson SG, y la afino en La o Sol para country blues. Sin embargo, si quiero tocar Elmore James, uso Re o Mi abierto, como Brian Jones, el primer guitarrista de climax que vi en un escenario en 1963. Se hacía llamar Elmo Lewis y era increíblemente preciso porque conocía el secreto de colocar el cuello de botella sobre el traste, no en el medio. También tenía la maestría de Bo Diddley con el trémolo eléctrico. Brian podría haber estado loco, pero tenía buena intención... La afinación abierta varía según el guitarrista. Toqué algunos conciertos con Lowell George de Little Feat, y afinó en La porque no podía oír Sol.

Hound Dog Taylor tocaba en mi menor, y Ry Cooder suena muy parecido a lo que Brian Jones habría sido de haber vivido. Escuché las cintas que Brian grabó con Alexis Korner en 1969, justo después de dejar los Stones, y el parecido es sorprendente.

A Ry Cooder le gusta tocar partes rítmicas en re o sol y solos en sol o la. Así que mandó construir una Stratocaster con una palanca bajo el puente que le permite cambiar de afinación en un instante.

Ahora hablemos de la amplificación. ¿Cuál es el secreto de tu sonido? ¿Qué usas?

En el escenario, tengo un Vox AC30 conectado a un bajo Marshall reacondicionado para guitarra, sin volumen maestro. El Marshall da buena potencia, y el Vox le da carácter al sonido. Hace un tiempo, toqué con un Ampeg. En el estudio, grabé los ritmos con la combinación Vox-Marshall, y para las sobregrabaciones usé un Fender Concert Del Shannon de 1961 y un Fender Bassman Tweed de 1955. También toqué con un amplificador personalizado nuevo, un combo construido por un exingeniero de Vox. No hay volumen maestro, ni boost, ni nada. Empieza a funcionar de verdad cuando el volumen está al 7. El sonido es realmente preciso, impecable.

¿Qué equipo usas?

Tengo un DOD Analog Delay, un Fuzz Face de Jimi Hendrix, un Tube Screamer, un compresor y un Boss Octaver.

¿Qué cuerdas tocas?

Fender Rock 'n' Roll, 42/32/26/15/13/10. Para guitarra acústica y slide, uso un juego con un rango más medio.

¿Cuál es tu estilo con la mano derecha?

Uso una púa semipesada y toco principalmente atacando las cuerdas hacia atrás. Pero también practico el sweep picking en las canciones de rock.

Para tocar con los dedos, mantengo la púa y uso los dedos corazón y anular simultáneamente. Para el blues acústico, actualmente trabajo con púas, y supongo que seré perfecto cuando tenga unos 50 años (risas).

Tu forma de tocar siempre se ha basado en armónicos. ¿Haces lapping?

¡Ja, ja! Antes hacía tapping sin siquiera saber el nombre. Ahora lo hago un poco más, pero creo que no puede durar más de uno o dos minutos.

Al menos en el escenario, porque en un disco se permite e incluso se fomenta todo tipo de experimentación.

 

Pero es cuestión de gustos. Fíjate en Eddie Van Halen, que es EL especialista; no lo usa en todas sus canciones y, por lo que he oído, lo hace cada vez menos. Es una técnica importante, pero necesariamente limitada porque es paralela. Pero bueno, hay vida después de la muerte, y hay que seguir explorando las posibilidades de la guitarra.

¿Qué opinas de los jammers modernos?

Los sistemas Kahler o Floyd Rose son excelentes, pero prefiero los nuevos jammers de Fender o sus versiones de Schecter. El problema con los sistemas de jamming es la constante tentación de usar vibrato cuando no es realmente necesario, y para mí, eso es de mal gusto. Lo peor es que es difícil darse cuenta. Si se vuelve sistemático, es peligroso.

Está bien al final de un concierto, pero si lo haces al principio y sigues haciéndolo después de diez canciones, hay un problema de estilo. Tienes que aprender a usarlo de forma consistente. Que es lo que hacen Eddie Van Halen y Joe Satriani, por cierto.

Siempre has estado cerca del hard rock, pero cruzar esa línea por completo...

El hard rock nació con mi generación. Conocí a Jimi Hendrix y empecé casi al mismo tiempo que Jimmy Page y Jeff Beck. Insisto, hay que ser universal, no limitarse a un solo estilo. Me gusta el hard rock, pero no el mito, que es realmente estéril. Por otro lado, la única regla real es: haz lo que quieras, y si funciona, mejor que mejor.

A veces lo han comparado con Ritchie Blackmore. ¿Tienes influencias clásicas como él?

A veces lo escucho, pero no es una influencia. De hecho, eso es lo que me diferencia de Ritchie Blackmore. Ambos tocamos Stratocaster, pero Ritchie es un fanfarrón y yo soy músico. Pero respeto lo que hace; tiene talento. Aunque a veces lo oculte.

¿Qué tipo de música moderna te gusta?

Los críticos de rock lo han catalogado durante mucho tiempo como un conservador indolente, y sé que se equivocan...

Me gusta el rap neoyorquino de principios de los 30. Grandmaster Flash tenía estilo. Pero las cajas de ritmos me cansan los oídos, y el rap ha perdido gran parte de su energía original por culpa de ellas. Me gusta el reggae de Bob Marley; tiene una belleza transparente que sus imitadores no poseen. También me gustan Toots & the Maytals y el bluebeat-ska.

 

Escucho a grupos franceses como Bijou o Patrick Verbeke, y aprecio a Les Négresses Vertes; son interesantes.

Entre los grupos irlandeses, me gustan los Waterboys; su música tiene una sensibilidad poco común. La actitud de U2 es demasiado rígida; nunca son funky, siempre perdidos en su fantasía heroica, su biblia personal. Soy amigo de The Edge, pero necesitan evolucionar, necesitan TOCAR, en lugar de seguir creyéndose semidioses. Todavía tienen mucho trabajo por hacer.

Empezaste en una Showband. ¿Qué influencias tuviste?

Una Showband es una forma típica de entretenimiento. Es una banda de baile que toca de cuatro a cinco horas cada noche, con todos los estilos musicales. Para mí, era la única manera de salir de Irlanda. Había tocado la guitarra desde los nueve años y había intentado formar algunas bandas, pero nada perduró.

Mis influencias fueron Chuck Berry, Eddie Cochran, Buddy Holly, Leadbelly y Big Bill Broomzy. Irlanda estaba increíblemente aislada a principios de los 60. Para leer Melody Maker, tenía que cortarme el pelo porque el barbero local era el único suscriptor de la zona. Un día, leí un anuncio: banda de concierto busca guitarrista. Por suerte, ya tenía mi Stratocaster, pero no amplificador. Apenas llegaba a pagar los pagos mensuales. El bajista de la banda me prestó un Vox AC30. Me dejaron tocar rock; Tenía 14 años. Fue un verdadero campo de entrenamiento para mí y otros músicos irlandeses como Van Morrison. Era la única salida del sistema, y ​​luego lo cambiamos.

¿Por qué se separó Taste?

Fue en 1970. ¿Seguro que a tus lectores les interesa? En fin, John Wilson, que había sido el baterista de Them, quería hacer música progresiva, de fusión, y se negó a ceder.

Es bastante gracioso en retrospectiva, porque hoy es él quien se encarga del sampling en los discos de Jive Bunny.

Para colmo, nuestro mánager se fugó con el dinero de la banda. Me dejaron solo como solista.

¿Cuáles son tus proyectos actuales?

Es una expresión convencional, pero estoy en un período de transición. Ahora mismo, estoy bajo presión hasta que termine el álbum. Luego iré a Australia y Japón. Después tocaré en Europa, y Francia estará en la agenda. De eso no te quepa duda. ¡Hola, amigos! (en francés en el texto original), M

 

Cracker - 30/11/2025 - El Sol (Madrid).

SETLIST

Plaza de Toros, 1967 (David Lowery song) (David Lowery solo acoustic)

Dr. Bernice

St. Cajetan

Teen Angst (What the World Needs Now)

Sweet Potato

Wedding Day

Euro-Trash Girl

Pictures of Matchstick Men (Status Quo cover)

Take the Skinheads Bowling (Camper Van Beethoven cover)

California Country Boy

*Happy Birthday to Me

Low

Loser (Jerry Garcia cover)

Sparrows (Gina Forsyth cover)

You Ain't Goin' Nowhere (Bob Dylan cover)

Another Song About the Rain

Encore:

Big Dipper (David Lowery solo acoustic)

One Fine Day

*Club Med Sucks (Camper Van Beethoven cover)

* añadidas al setlist previo.

Tim Easton - 30/11/2025 - El Sol (Madrid).

RORY GALLAGHER 1948 – 1995.

 

Rory Gallagher falleció a los 47 años el 14 de junio en el Hospital King's College de Londres. Se había sometido a un trasplante de hígado en abril y se preparaba para grabar dos álbumes simultáneamente, uno acústico y otro eléctrico.

Nacido el 2 de marzo de 1948 en Ballyshannon, Irlanda, el joven Rory pasó su infancia en Cork, al sur de Irlanda, y adquirió su primera guitarra a la tierna edad de nueve años. Cuatro años después, el adolescente quedó cautivado al instante por una Stratocaster de 1961 (la primera importada a Irlanda) que vio en el escaparate de Crowley's Music Shop. Encargada inicialmente por un músico de Cork que, decepcionado por su color, finalmente decidió no comprarla, este instrumento, con su acción muy alta, trastes enormes y un sonido más cercano a las Gibson SG que a las Stratocaster tradicionales, seguiría siendo su fiel compañero hasta su prematura muerte. Convertido en profesional a los quince años, Rory tocó en numerosas bandas (incluida la renombrada Fontana Showband) antes de fundar Taste a mediados de los 60, un revolucionario power trío en la tradición del heavy blues de Jimi Hendrix Experience y Cream. El grupo lanzó su primer sencillo de 45 rpm en 1967, Born On The Wrong Side Of Town/Blister On The Moon (dos pequeñas joyas psicodélicas que rivalizan con “Voodoo Child”), luego grabaron "Taste", El primer álbum del trío, "Fracassé et fraconnant" (1969), y "On The Boards" (1970), los catapultaron a la cima del blues británico.

Compuesto íntegramente por Gallagher, "On The Boards" revela un talentoso guitarrista y multiinstrumentista, como lo demuestran sus chirridos de armónica, pero especialmente sus asombrosas interpretaciones del saxofón alto ("It's Happened Before It'll Happen Again", "On The Boards"), que fusionan ritmos de blues con un fraseo de jazz absolutamente alucinante. Tras estas dos obras maestras, Rory tomó su Stratocaster por las cuerdas y se lanzó a una carrera en solitario que le permitió entrar en el selecto círculo de los héroes de la guitarra de la década de 1970, junto a Alvin Lee, Clapton, Johnny Winter y Ted Nugent. Repletos de álbumes que hoy se consideran clásicos ("Deuce", "Live In Europe", "Blueprint", "Tattoo", "Irish Tour 74", "Against The Grain", "Calling Card", etc.), los años 70 consagraron a este guitarrista, quien se mostraba en la cima de su arte cada vez que subía al escenario. Recibió la influencia del blues de Hubert Sumlin, Howlin' Wolf, Buddy Guy, Tampa Red, los Tres Kings, pero también de Hendrix, con quien comparte brevemente el diapasón. Gallagher no tiene rival a la hora de inyectar una fuerte dosis de folk y música celta en sus doce compases, siendo un gran admirador de Davey Graham, Bert Jansch y Martin Carthy. Alternando entre una pesadez devastadora y vuelos líricos y ligeros, su forma de tocar la guitarra, rapidísima y nerviosa, evoluciona constantemente. A Rory le encanta crear solos que creen un vínculo (cuando no es una continuación), con sus ritmos apasionados, tocando constantemente acordes suspendidos. Igualmente cómodo con las guitarras acústicas y eléctricas, deslizándose a menudo hacia las estrellas gracias a su dobro de 1932, Gallagher pasa de la afinación estándar a la G y D abiertas con una facilidad desconcertante, utilizando, además de su Strat de 1961, toda una colección de guitarras L Series, enchufadas a un Vox AC30, que está conectado a un combo Marshall de 50 W, conectado a su vez a un amplificador de bajo Marshall de 100 W.

Considerado un sustituto de Mick Taylor en los Stones en el 75, Gallagher tocó en Róterdam con la banda de Mick, se lo pasó genial con Keith, pero finalmente declinó la invitación, pues, cito textualmente, "la vida con los Rolling Stones era demasiado loca y comercial para su gusto"... Tras una incursión en el hard rock a finales de los 70, ("Photo Finish", "Top Priority"), el desafortunado Rory pasó los 80 sumido en el olvido y, peor aún, en el alcoholismo, grabando álbumes decentes, pero agotándose en la carretera (representado por su hermano Donal, tuvo que girar sin descanso para sobrevivir), hasta el punto de volverse obeso, hinchado y un alcohólico empedernido. Intentó un regreso definitivo a principios de los 90 (en particular con "Fresh Evidence"), pero el pobre estaba devastado hasta la médula (a veces se desplomaba en el escenario), y los demonios del alcohol acabarían destruyendo su hígado, y luego su vida.

Nos conocimos para una entrevista hace cinco años. Hablamos del cine francés que adoraba. Su habitación de hotel estaba llena de latas de cerveza vacías, y me pidió un gran favor: abrir la botella de whisky que escondió entre las toallas del armario del baño porque se torció el pulgar al cerrar la puerta de un taxi, lo que le impidió descorcharla. Hoy, su pesadilla por fin ha terminado. Adiós, artista. • Frédéric Lecomte

01/02/1992 entrevista de Christian Gouffre para Rock & Blues.

 

Rory Gallagher rinde homenaje a sus mentores, relata sus orígenes y detalla su equipamiento, solo para ti.

¡SOY UN CURRANTE DE LA MÚSICA!

Desde la bruma irlandesa hasta la embriaguez de las tabernas de Hamburgo, desde los pubs de Ballyshannon hasta los escenarios de los festivales más importantes, la épica trayectoria de Gallagher ya es legendaria. Desde su primera guitarra a los nueve años hasta el análisis de sus últimos álbumes.

Alain Dister (Guitare n°6) ya había allanado el camino, ofreciendo a los ávidos lectores un retrato del campeón irlandés del blues-rock. Así pues, con las bases sentadas, nos centramos en profundizar en ciertos puntos, preguntándole en particular, durante esta entrevista, sobre cuestiones técnicas e históricas que rara vez se habían abordado hasta ahora.

Según revistas y libros, vuestra primera banda, Taste, no tenía la misma formación: NME, por ejemplo, menciona la formación más conocida, la de Charlie McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Guitar Player, por su parte, habla de Eric Kitteringham y Norman Damery. ¿Quién tocaba y cuándo?

En 1955 estaba en Hamburgo, tocando en clubes, luchando con un trío, pero todavía no tenía mi propia banda.

Este trío fue el origen de Taste, que a veces se confunde con el grupo original. En realidad, fue un grupo temporal, improvisado. Durante dos años, toqué con los otros dos. Este trío no dejó huella significativa: existe una grabación, pero no es representativa de lo que hacíamos. Así que toqué con los cuatro: Kitteringham/Damery y McCraken/Wilson.

Empezaste en los 60, justo en la época de Jimi Hendrix. ¿Pudiste superar su influencia?

Mis influencias son anteriores a Hendrix: Chuck Berry, Eddie Cochran, Bill Haley, artistas de blues como Muddy Waters y Lead Belly. Pero claro, también está Hendrix. Lo vi tocar dos veces. Lo admiraba mucho, pero nunca intenté tocar como él: su música era mucho más electrónica de lo que yo quería hacer.

Jimi llegó demasiado tarde para tener un impacto profundo en mí.

Era un tipo fabuloso, un compositor brillante: el nuevo Chuck Berry.

Mencionaste a Muddy Waters, y que grabaste con él...

Me lo ofrecieron. Todo empezó con Al Cooper. Se suponía que iba a trabajar en este disco y, por alguna razón, abandonó el proyecto. Simplemente lo dejó todo a medias. El nuevo productor me contactó. No fue una sesión fácil: Muddy Waters, la mitad de su banda y un montón de artistas invitados. Es genial invitar a estrellas, pero cuando se convierte en una supersesión, todo se complica y el artista invitado se queda sin opciones. Pero, sin exagerar, ¡no salió tan mal! Steve Winwood estaba allí. Mitch Mitchell... ah, sí, Georgie Fame... fue un gran momento para mí. Muddy Waters es tan simpático que no intimida; sabe cómo hacer que la gente se sienta cómoda.

¿Una experiencia positiva, entonces?

¡Por supuesto! Cuando ves a Muddy Waters, sentado en su asiento, y empieza a tocar de forma fantástica en cuanto empieza a rodar la cinta, ¡no hay palabras para describirlo! Con él, todo es natural. Muchos músicos dependen de la electrónica de estudio para crear su música. Con Muddy Waters, todo es magia. La forma en que proyecta el sonido es fascinante. En aquel entonces, él tenía cincuenta y tantos años, y yo me sentía como un niño pequeño a su lado.

También grabas de una forma un tanto artificial...

¿Quién? Los avances y tendencias tecnológicas nos han obligado a usar más la electrónica. Hemos pasado de la época dorada del rock and roll a la del hard rock.

Las cosas se han vuelto más complejas. Pero en ciertos temas, sin sobregrabaciones ni otras manipulaciones, tengo un enfoque bastante similar al de Muddy Waters: sin florituras, algo tiene que surgir durante la sesión.

Ya has hablado de tus influencias, pero algunos dicen que te influyeron principalmente los Kings (B.B, Albert, Freddie...).

Ante todo, soy un apasionado de la guitarra. Algunos melómanos dicen que no les gusta nadie más, que solo existe B.B. King: ¡Me parece una visión simplista! Si vieras mi colección de discos... Abarca desde Lonnie Mac hasta Freddie King, pasando por Buddy Guy, Ry Cooder, Keith Richards, John Hammond... ¡No soy monoteísta en este tema!

Todos los guitarristas aportan algo a mi música, incluso si no son guitarristas solistas. Escucho a todo el mundo, a miles de personas.

¿Cómo puedo decir quiénes me influyeron directamente? Claro, de niño practicaba con las canciones de Buddy Holly, Jimmy Reed y Muddy Waters. Cuando de verdad te interesa la guitarra, estudias discos, los analizas.

¿Existe siquiera el rock irlandés?

Estamos conectados con el rock inglés, por supuesto, pero tenemos nuestro propio estilo; basta con ver a Thin Lizzy, Van Morrison, etc. Lo que hago está definitivamente relacionado con Europa en general, pero ser irlandés me hace ver las cosas desde una perspectiva diferente, estoy seguro.

Tus afinaciones a veces lo demuestran...

Utilizo afinaciones, dos o tres, tomadas de la música folclórica; por ejemplo, una afinación en re menor. La cuerda de La se deja en Fa, y para obtener el acorde mayor, hay que colocar un dedo en el primer traste de la tercera cuerda: algo muy inusual. Lo usé notablemente en "Out on the Western Plain" de Leadbelly. Y hay otra afinación, con un marcado espíritu irlandés, y frecuentemente utilizado por David Graham (quien es escocés). Empezando desde abajo, es: Mi-La-Re-Mi-La. La cuerda de Fa está afinada en Mi, y la de Si en La... Pero nunca he podido usar esta afinación en una grabación. Probablemente estas sean mis principales influencias de la música celta. Para el bottleneck, suelo tocar con afinación estándar, como también hace Earl Hooker. ¡Joni Mitchell tiene toda una colección de afinaciones!

También trabajaste con Peter Frampton...

Hicimos una sesión con Jerry Lee Lewis, "Jerry Lee Lewis In London".

Fue antes de que Peter se fuera a Estados Unidos y se convirtiera en una estrella. Una buena sesión. Jerry Lee Lewis estuvo fantástico, totalmente convincente, natural. Con él, simplemente conectas el micrófono y grabas, el resultado es fabuloso. A lo sumo, está un 1% menos pulido que en el escenario. ¡Eso lo dice todo! Tiene personalidad.

Esa es la diferencia entre estos tipos y las bandas más recientes, que primero añaden una caja de ritmos, luego un bajo, etc. Al final, ¡la banda nunca toca con su formación completa! Es un sistema metronómico. La música de Lewis y los demás es más natural, tiene sentimiento, e incluso si el tempo es ligeramente irregular, prefiero eso a un estilo frío y elitista.

En 1970, Taste se separó... ¿por qué?

Después de unos años, las cosas simplemente se esfumaron. El 90% del tiempo, todo iba de maravilla, algo que preferíamos no comentar, pero un día algo falló.

¿Problemas personales?

Principalmente problemas de gestión. Algunos me criticaron después de la separación del grupo, lo cual es ridículo. Decían que quería componerlo todo yo solo, cuando quien afirma eso jamás ha sido capaz de componer nada... Estas cosas pasan después de una ruptura, pero no es importante.

En 1971, era la Hory Gallagher Band: un trío. Luego se convirtió en un cuarteto. ¿Por qué estos cambios de integrantes?

A veces por motivos personales, a veces por motivos musicales. Mi primer baterista, Wilgar Campbell, se fue porque tenía esposa e hijo y no quería viajar.

Otros cambios se debieron a motivos musicales.

La incorporación del teclado de Lou Martin, por ejemplo...

Permite arreglos más amplios, haciéndolos más interesantes armónica y melódicamente. Es muy bueno, pero en definitiva, en 1979, quise volver a algo más flexible, a una estructura más libre, a la libertad de la fórmula bajo/batería/guitarra. Con un trío así, puedes empezar a tocar en un abrir y cerrar de ojos; no necesitas arreglar tanto. Sacarle el máximo partido a un teclado requiere mucho más trabajo.

A veces le han apodado "el guitarrista del pueblo". La propia revista Guitar Magazine lo llamó "el rockero de la clase trabajadora"... ¿Por qué esos apodos?

Creo que fue la revista londinense Songs la que acuñó ese apodo. No quiero ser un guitarrista de la alta sociedad, no soy un músico para salones de gala, aunque no me niego a ir a tomar algo a casa de alguien...

¿Es una forma de evitar los "peligros del mundo del espectáculo"?

En parte. Cuando surgió ese apodo, estábamos de gira con una furgoneta vieja y amplificadores de mala calidad: ¡éramos auténticos trabajadores de la música! Esta música tiene que seguir siendo natural, seguir rugiendo, eso es todo.

Tu Stratocaster de 1959 se ha convertido en una leyenda. ¿Qué otras guitarras usas en el escenario?

Principalmente una Strat de 1966. También tengo una Gretsch Corvet con pastilla P90, una Gibson, una Telecaster, una acústica Martin y una acústica National.

Para el estudio, en ciertas pistas, a veces necesito un sonido diferente al de las Fender: tengo una Gibson, por ejemplo.

Mi especialidad, cuando estoy en Estados Unidos, es empeñar guitarras: no busco modelos de 700 dólares, no, busco guitarras raras. Hay modelos así que usaban músicos de blues: Silvertone, Dan Electro, etc. Por otro lado, está la Dan Electro, etc. No se pueden tocar muy fuerte; tienen mucha retroalimentación, pero son geniales. Básicamente, todas las guitarras americanas tienen algo, y ninguna lo tiene todo. No soy coleccionista de guitarras; no tengo cientos, y no me interesan las antigüedades. Pero sí cuido los instrumentos que amo.

Tengo que mejorar todas las guitarras que poseo para poder usarlas en conciertos y en el estudio. Todo tiene que ser práctico; una guitarra no es realmente una guitarra si tienes que guardarla bajo llave en cuanto la dejas. Los instrumentos están hechos para tocarse.

En mis Fender, cambio los trastes por unos más anchos. Suelo elegir trastes Gibson. Si el mástil es viejo y está sujeto con cuatro tornillos, lo desmonto y deslizo un pequeño trozo de madera o cartón para inclinarlo un poco hacia atrás, y luego lo vuelvo a atornillar.

Si la guitarra tiene dos potenciómetros de volumen o tono, desconecto uno de cada uno: siempre busco la simplicidad. Los controles deben ser mínimos.

Eso es prácticamente todo lo que modifico. Sin embargo, hay cosas que merecen una pequeña inversión: por ejemplo, pocas guitarras tienen buenos controles de volumen y tono (marcas deficientes, demasiado rígidos o demasiado flojos para manejarlos). Pero nunca transformo una guitarra por completo. En mi Stratocaster, no uso el trémolo.

En cuanto al amplificador, a veces uso un ecualizador gráfico de cinco bandas. Así puedo realzar las frecuencias medias, por ejemplo, para darle a una Fender un sonido Gibson... O con una Gibson y un amplificador malo, el ecualizador me permite ajustar las frecuencias altas. De hecho, solo modifico los instrumentos para adaptarlos a mi estilo. Pero es cierto que trabajo mejor con una Fender. En mi guitarra favorita, por ejemplo, hay un selector de pastillas, un control de tono y un control de volumen. El resto es inútil. Algunos músicos van aún más allá: Eddie Van Halen, por ejemplo, solo tiene un control de volumen y un selector de pastillas. Yo prefiero conservar el control de tono: cuando la guitarra suena demasiado fuerte, sin bajar el volumen, puedes cambiarlo todo ajustando el tono.

¿Modificas tú mismo tus guitarras?

No, lamentablemente, ese es mi problema. Dos amigos míos, profesionales, sí lo hacen. Hay tantas pastillas en el mercado ahora que puedes compararlas, cambiarlas... pero yo siempre vuelvo a los modelos Fender estándar. Muy a menudo, al modificar una pastilla u otra, se pierden algunas de las cualidades que la hacían atractiva. Estuvo la moda de la "densidad cero", y todavía sigue vigente. Algunos descubrieron que la densidad de los materiales mejora el sustain, así que hicieron mástiles de aluminio, cuerpos de plexiglás... Y las guitarras adquirieron un sonido delgado y metálico. ¡Hacen guitarras tan pesadas, para conseguir sustain, que apenas puedes moverlas! Necesitamos volver a los diseños de los años 50.

¿Qué cuerdas usas?

Fender Rock & Roll: 0.10, 0.13, 0.15, 0.25, 0.32, 0.35. A veces cambio la cuerda más grave a una 0.40. En la acústica, uso cuerdas de calibre medio, Atwood (?) o, si las encuentro, Guild.

¿Tocar la acústica influye en tu forma de tocar la guitarra eléctrica?

Sin duda, me ha hecho más percusivo. Algunos guitarristas no quieren ni tocar una acústica. Se equivocan; mejora muchísimo tu forma de tocar. En cuanto a las púas, uso Herco Heavy. Están hechas con un compuesto que las hace muy duraderas. Son flexibles y duras a la vez. En el estudio, para las acústicas, uso una Fender de calibre medio.

Para que quede claro, ¿qué amplificadores usas?

Dos combos Marshall '51 en serie, con preamplificadores. Durante años tuve un Fender de los 50 (aún lo conservo), luego me compré un Ampeg. Al principio tuve un Vox. Siempre estoy cambiando de equipo. Actualmente, no me gustan tanto los combos.

A pesar de tu preferencia por un sonido "natural", usas pedales...

Un flanger y un overdrive Bose, si no consigo suficiente distorsión. También tengo otros pedales de efectos que uso de vez en cuando, pero la verdad es que no me convencen.

¿Nunca te ha inspirado la producción discográfica?

Sí, me encantaría producir a otros artistas... ¡En cuanto tenga tiempo! Pero ahora mismo las giras me consumen demasiado tiempo.

(Comentarios recopilados por Christian Gouffre)

DISCOGRAFÍA En Chrysalis: "Rory Gallagher" (202.648), "Deuce" (202.646), "Live in Europe" (202.647), "Blueprint" (202.645), "Tattoo" (202.649), "Irish tour" (300.695), "Against the grain" (202.641), "Calling card" (202.642), "Photo-finish" (202.643), "Top priority" (202.644), "Stage strike" (202.884), "Jinx" (202.408).

Con Taste (en Polydor): "Taste", "On the boards", "Live Taste", "Taste at the isle of Wight".