01/02/1992 entrevista de Christian Gouffre para Rock & Blues.

 

Rory Gallagher rinde homenaje a sus mentores, relata sus orígenes y detalla su equipamiento, solo para ti.

¡SOY UN CURRANTE DE LA MÚSICA!

Desde la bruma irlandesa hasta la embriaguez de las tabernas de Hamburgo, desde los pubs de Ballyshannon hasta los escenarios de los festivales más importantes, la épica trayectoria de Gallagher ya es legendaria. Desde su primera guitarra a los nueve años hasta el análisis de sus últimos álbumes.

Alain Dister (Guitare n°6) ya había allanado el camino, ofreciendo a los ávidos lectores un retrato del campeón irlandés del blues-rock. Así pues, con las bases sentadas, nos centramos en profundizar en ciertos puntos, preguntándole en particular, durante esta entrevista, sobre cuestiones técnicas e históricas que rara vez se habían abordado hasta ahora.

Según revistas y libros, vuestra primera banda, Taste, no tenía la misma formación: NME, por ejemplo, menciona la formación más conocida, la de Charlie McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Guitar Player, por su parte, habla de Eric Kitteringham y Norman Damery. ¿Quién tocaba y cuándo?

En 1955 estaba en Hamburgo, tocando en clubes, luchando con un trío, pero todavía no tenía mi propia banda.

Este trío fue el origen de Taste, que a veces se confunde con el grupo original. En realidad, fue un grupo temporal, improvisado. Durante dos años, toqué con los otros dos. Este trío no dejó huella significativa: existe una grabación, pero no es representativa de lo que hacíamos. Así que toqué con los cuatro: Kitteringham/Damery y McCraken/Wilson.

Empezaste en los 60, justo en la época de Jimi Hendrix. ¿Pudiste superar su influencia?

Mis influencias son anteriores a Hendrix: Chuck Berry, Eddie Cochran, Bill Haley, artistas de blues como Muddy Waters y Lead Belly. Pero claro, también está Hendrix. Lo vi tocar dos veces. Lo admiraba mucho, pero nunca intenté tocar como él: su música era mucho más electrónica de lo que yo quería hacer.

Jimi llegó demasiado tarde para tener un impacto profundo en mí.

Era un tipo fabuloso, un compositor brillante: el nuevo Chuck Berry.

Mencionaste a Muddy Waters, y que grabaste con él...

Me lo ofrecieron. Todo empezó con Al Cooper. Se suponía que iba a trabajar en este disco y, por alguna razón, abandonó el proyecto. Simplemente lo dejó todo a medias. El nuevo productor me contactó. No fue una sesión fácil: Muddy Waters, la mitad de su banda y un montón de artistas invitados. Es genial invitar a estrellas, pero cuando se convierte en una supersesión, todo se complica y el artista invitado se queda sin opciones. Pero, sin exagerar, ¡no salió tan mal! Steve Winwood estaba allí. Mitch Mitchell... ah, sí, Georgie Fame... fue un gran momento para mí. Muddy Waters es tan simpático que no intimida; sabe cómo hacer que la gente se sienta cómoda.

¿Una experiencia positiva, entonces?

¡Por supuesto! Cuando ves a Muddy Waters, sentado en su asiento, y empieza a tocar de forma fantástica en cuanto empieza a rodar la cinta, ¡no hay palabras para describirlo! Con él, todo es natural. Muchos músicos dependen de la electrónica de estudio para crear su música. Con Muddy Waters, todo es magia. La forma en que proyecta el sonido es fascinante. En aquel entonces, él tenía cincuenta y tantos años, y yo me sentía como un niño pequeño a su lado.

También grabas de una forma un tanto artificial...

¿Quién? Los avances y tendencias tecnológicas nos han obligado a usar más la electrónica. Hemos pasado de la época dorada del rock and roll a la del hard rock.

Las cosas se han vuelto más complejas. Pero en ciertos temas, sin sobregrabaciones ni otras manipulaciones, tengo un enfoque bastante similar al de Muddy Waters: sin florituras, algo tiene que surgir durante la sesión.

Ya has hablado de tus influencias, pero algunos dicen que te influyeron principalmente los Kings (B.B, Albert, Freddie...).

Ante todo, soy un apasionado de la guitarra. Algunos melómanos dicen que no les gusta nadie más, que solo existe B.B. King: ¡Me parece una visión simplista! Si vieras mi colección de discos... Abarca desde Lonnie Mac hasta Freddie King, pasando por Buddy Guy, Ry Cooder, Keith Richards, John Hammond... ¡No soy monoteísta en este tema!

Todos los guitarristas aportan algo a mi música, incluso si no son guitarristas solistas. Escucho a todo el mundo, a miles de personas.

¿Cómo puedo decir quiénes me influyeron directamente? Claro, de niño practicaba con las canciones de Buddy Holly, Jimmy Reed y Muddy Waters. Cuando de verdad te interesa la guitarra, estudias discos, los analizas.

¿Existe siquiera el rock irlandés?

Estamos conectados con el rock inglés, por supuesto, pero tenemos nuestro propio estilo; basta con ver a Thin Lizzy, Van Morrison, etc. Lo que hago está definitivamente relacionado con Europa en general, pero ser irlandés me hace ver las cosas desde una perspectiva diferente, estoy seguro.

Tus afinaciones a veces lo demuestran...

Utilizo afinaciones, dos o tres, tomadas de la música folclórica; por ejemplo, una afinación en re menor. La cuerda de La se deja en Fa, y para obtener el acorde mayor, hay que colocar un dedo en el primer traste de la tercera cuerda: algo muy inusual. Lo usé notablemente en "Out on the Western Plain" de Leadbelly. Y hay otra afinación, con un marcado espíritu irlandés, y frecuentemente utilizado por David Graham (quien es escocés). Empezando desde abajo, es: Mi-La-Re-Mi-La. La cuerda de Fa está afinada en Mi, y la de Si en La... Pero nunca he podido usar esta afinación en una grabación. Probablemente estas sean mis principales influencias de la música celta. Para el bottleneck, suelo tocar con afinación estándar, como también hace Earl Hooker. ¡Joni Mitchell tiene toda una colección de afinaciones!

También trabajaste con Peter Frampton...

Hicimos una sesión con Jerry Lee Lewis, "Jerry Lee Lewis In London".

Fue antes de que Peter se fuera a Estados Unidos y se convirtiera en una estrella. Una buena sesión. Jerry Lee Lewis estuvo fantástico, totalmente convincente, natural. Con él, simplemente conectas el micrófono y grabas, el resultado es fabuloso. A lo sumo, está un 1% menos pulido que en el escenario. ¡Eso lo dice todo! Tiene personalidad.

Esa es la diferencia entre estos tipos y las bandas más recientes, que primero añaden una caja de ritmos, luego un bajo, etc. Al final, ¡la banda nunca toca con su formación completa! Es un sistema metronómico. La música de Lewis y los demás es más natural, tiene sentimiento, e incluso si el tempo es ligeramente irregular, prefiero eso a un estilo frío y elitista.

En 1970, Taste se separó... ¿por qué?

Después de unos años, las cosas simplemente se esfumaron. El 90% del tiempo, todo iba de maravilla, algo que preferíamos no comentar, pero un día algo falló.

¿Problemas personales?

Principalmente problemas de gestión. Algunos me criticaron después de la separación del grupo, lo cual es ridículo. Decían que quería componerlo todo yo solo, cuando quien afirma eso jamás ha sido capaz de componer nada... Estas cosas pasan después de una ruptura, pero no es importante.

En 1971, era la Hory Gallagher Band: un trío. Luego se convirtió en un cuarteto. ¿Por qué estos cambios de integrantes?

A veces por motivos personales, a veces por motivos musicales. Mi primer baterista, Wilgar Campbell, se fue porque tenía esposa e hijo y no quería viajar.

Otros cambios se debieron a motivos musicales.

La incorporación del teclado de Lou Martin, por ejemplo...

Permite arreglos más amplios, haciéndolos más interesantes armónica y melódicamente. Es muy bueno, pero en definitiva, en 1979, quise volver a algo más flexible, a una estructura más libre, a la libertad de la fórmula bajo/batería/guitarra. Con un trío así, puedes empezar a tocar en un abrir y cerrar de ojos; no necesitas arreglar tanto. Sacarle el máximo partido a un teclado requiere mucho más trabajo.

A veces le han apodado "el guitarrista del pueblo". La propia revista Guitar Magazine lo llamó "el rockero de la clase trabajadora"... ¿Por qué esos apodos?

Creo que fue la revista londinense Songs la que acuñó ese apodo. No quiero ser un guitarrista de la alta sociedad, no soy un músico para salones de gala, aunque no me niego a ir a tomar algo a casa de alguien...

¿Es una forma de evitar los "peligros del mundo del espectáculo"?

En parte. Cuando surgió ese apodo, estábamos de gira con una furgoneta vieja y amplificadores de mala calidad: ¡éramos auténticos trabajadores de la música! Esta música tiene que seguir siendo natural, seguir rugiendo, eso es todo.

Tu Stratocaster de 1959 se ha convertido en una leyenda. ¿Qué otras guitarras usas en el escenario?

Principalmente una Strat de 1966. También tengo una Gretsch Corvet con pastilla P90, una Gibson, una Telecaster, una acústica Martin y una acústica National.

Para el estudio, en ciertas pistas, a veces necesito un sonido diferente al de las Fender: tengo una Gibson, por ejemplo.

Mi especialidad, cuando estoy en Estados Unidos, es empeñar guitarras: no busco modelos de 700 dólares, no, busco guitarras raras. Hay modelos así que usaban músicos de blues: Silvertone, Dan Electro, etc. Por otro lado, está la Dan Electro, etc. No se pueden tocar muy fuerte; tienen mucha retroalimentación, pero son geniales. Básicamente, todas las guitarras americanas tienen algo, y ninguna lo tiene todo. No soy coleccionista de guitarras; no tengo cientos, y no me interesan las antigüedades. Pero sí cuido los instrumentos que amo.

Tengo que mejorar todas las guitarras que poseo para poder usarlas en conciertos y en el estudio. Todo tiene que ser práctico; una guitarra no es realmente una guitarra si tienes que guardarla bajo llave en cuanto la dejas. Los instrumentos están hechos para tocarse.

En mis Fender, cambio los trastes por unos más anchos. Suelo elegir trastes Gibson. Si el mástil es viejo y está sujeto con cuatro tornillos, lo desmonto y deslizo un pequeño trozo de madera o cartón para inclinarlo un poco hacia atrás, y luego lo vuelvo a atornillar.

Si la guitarra tiene dos potenciómetros de volumen o tono, desconecto uno de cada uno: siempre busco la simplicidad. Los controles deben ser mínimos.

Eso es prácticamente todo lo que modifico. Sin embargo, hay cosas que merecen una pequeña inversión: por ejemplo, pocas guitarras tienen buenos controles de volumen y tono (marcas deficientes, demasiado rígidos o demasiado flojos para manejarlos). Pero nunca transformo una guitarra por completo. En mi Stratocaster, no uso el trémolo.

En cuanto al amplificador, a veces uso un ecualizador gráfico de cinco bandas. Así puedo realzar las frecuencias medias, por ejemplo, para darle a una Fender un sonido Gibson... O con una Gibson y un amplificador malo, el ecualizador me permite ajustar las frecuencias altas. De hecho, solo modifico los instrumentos para adaptarlos a mi estilo. Pero es cierto que trabajo mejor con una Fender. En mi guitarra favorita, por ejemplo, hay un selector de pastillas, un control de tono y un control de volumen. El resto es inútil. Algunos músicos van aún más allá: Eddie Van Halen, por ejemplo, solo tiene un control de volumen y un selector de pastillas. Yo prefiero conservar el control de tono: cuando la guitarra suena demasiado fuerte, sin bajar el volumen, puedes cambiarlo todo ajustando el tono.

¿Modificas tú mismo tus guitarras?

No, lamentablemente, ese es mi problema. Dos amigos míos, profesionales, sí lo hacen. Hay tantas pastillas en el mercado ahora que puedes compararlas, cambiarlas... pero yo siempre vuelvo a los modelos Fender estándar. Muy a menudo, al modificar una pastilla u otra, se pierden algunas de las cualidades que la hacían atractiva. Estuvo la moda de la "densidad cero", y todavía sigue vigente. Algunos descubrieron que la densidad de los materiales mejora el sustain, así que hicieron mástiles de aluminio, cuerpos de plexiglás... Y las guitarras adquirieron un sonido delgado y metálico. ¡Hacen guitarras tan pesadas, para conseguir sustain, que apenas puedes moverlas! Necesitamos volver a los diseños de los años 50.

¿Qué cuerdas usas?

Fender Rock & Roll: 0.10, 0.13, 0.15, 0.25, 0.32, 0.35. A veces cambio la cuerda más grave a una 0.40. En la acústica, uso cuerdas de calibre medio, Atwood (?) o, si las encuentro, Guild.

¿Tocar la acústica influye en tu forma de tocar la guitarra eléctrica?

Sin duda, me ha hecho más percusivo. Algunos guitarristas no quieren ni tocar una acústica. Se equivocan; mejora muchísimo tu forma de tocar. En cuanto a las púas, uso Herco Heavy. Están hechas con un compuesto que las hace muy duraderas. Son flexibles y duras a la vez. En el estudio, para las acústicas, uso una Fender de calibre medio.

Para que quede claro, ¿qué amplificadores usas?

Dos combos Marshall '51 en serie, con preamplificadores. Durante años tuve un Fender de los 50 (aún lo conservo), luego me compré un Ampeg. Al principio tuve un Vox. Siempre estoy cambiando de equipo. Actualmente, no me gustan tanto los combos.

A pesar de tu preferencia por un sonido "natural", usas pedales...

Un flanger y un overdrive Bose, si no consigo suficiente distorsión. También tengo otros pedales de efectos que uso de vez en cuando, pero la verdad es que no me convencen.

¿Nunca te ha inspirado la producción discográfica?

Sí, me encantaría producir a otros artistas... ¡En cuanto tenga tiempo! Pero ahora mismo las giras me consumen demasiado tiempo.

(Comentarios recopilados por Christian Gouffre)

DISCOGRAFÍA En Chrysalis: "Rory Gallagher" (202.648), "Deuce" (202.646), "Live in Europe" (202.647), "Blueprint" (202.645), "Tattoo" (202.649), "Irish tour" (300.695), "Against the grain" (202.641), "Calling card" (202.642), "Photo-finish" (202.643), "Top priority" (202.644), "Stage strike" (202.884), "Jinx" (202.408).

Con Taste (en Polydor): "Taste", "On the boards", "Live Taste", "Taste at the isle of Wight".

Abelardo Navarro - 22/11/2025 - ReDoble (Almería).

01/02/1989 Entrevista de Christian Gouffre para Guitare et Claviers.

 

ON THE ROAD AGAIN (DE NUEVO EN LA CARRETERA)

El irlandés que tan bien sabe cómo electrificar el blues, el hombre de la Stratocaster maltrecha – ¡Rory Gallagher! – no ha desaparecido de la escena, ¡se lo aseguramos! No publica discos nuevos muy a menudo, pero sigue de gira. Nuestro corresponsal en Londres lo entrevistó brevemente entre dos conciertos.

Rory Gallagher es una de esas personas eternamente desarraigadas que afirma que solo vive en Londres porque tiene que trabajar allí. Pero no quiere morir allí porque echa de menos el alma y la sensibilidad de sus compatriotas. Su corazón pertenece a Donegal, en Irlanda, donde nació. Un hombre muy humilde, con buen gusto, apasionado del cine y la cultura, ha desarrollado su carrera al margen de las modas, creando un estilo muy particular entre el blues, el rock y el folk irlandés: un género reconocible desde el primer compás. Es uno de los últimos rebeldes de gran corazón que ha elegido una Stratocaster para predicar el blues por todo el mundo. Es fácil entender cómo un irlandés puede sentir la melancolía en la piel. ¡Imagínate vivir colonizado durante 700 años!

¿Así que siempre de gira?

Sí, Inglaterra, Escocia y Gales, después, una temporada en Irlanda; primavera en Europa y a principios de verano, estaremos en Japón, Australia y Nueva Zelanda.

¿Giras mucho?

Menos que antes: unos ocho meses al año. Hice 25 giras en 10 años por Estados Unidos. ¡No se lo recomiendo a nadie! Disfruté mucho de todas esas experiencias, pero ahora es diferente. Ya no puedo vivir de hotel en hotel con tres maletas, y volar me produce claustrofobia. Quiero vivir muchos años, no retirarme a los 40. Soy poca cosa comparado con, digamos, Muddy Waters o John Lee Hooker, pero aspiro a su estilo de vida: es fantástico tener 60 años y seguir tocando. En Irlanda, la edad no importa. La música forma parte de nuestra vida de una manera tan profunda que no pensamos en la imagen, la televisión, etc. Simplemente tocamos. Eso se asemeja mucho a la mentalidad del blues.

¿Qué países te gustan más?

No tengo preferencia, depende. Soy humano, me gustan las grandes ciudades de provincias sin el complejo de inferioridad provinciano. Me gusta la idea de la descentralización. He estado en Japón tres veces; su hospitalidad es legendaria y su cultura… Me gusta su actitud hacia el cine… pero, hablando de cine, Francia es mi favorita.

01/02/1989 Entrevista de Christian Gouffre para Gitare et Claviers.

¿Te gusta el cine francés?

¡Oh, sí, sí! Melville, Godard, Lelouch, Truggaut… sobre todo, me gustan los thrillers de los años 60. Lino Ventura era mi ídolo. Veo una relación con el rhythm and blues en el género policíaco. En mi álbum Defender, muchas letras tratan sobre gente sencilla que tiene que trabajar para la mafia. Al principio no son gánsteres, pero es «Loanshark Blues», viven en una especie de metrópolis de los años 80. La imagen que tienen los europeos del blues es muy idílica. La realidad, cuando vas a Detroit, Chicago o Nueva Orleans, es muy diferente. Es muy duro. Es un gueto.

¿Dónde está el blues en 1989?

A los estadounidenses les gusta pensar que hay un renacimiento del blues, pero si eso es cierto, ¡no es en Estados Unidos! Parece que hay que morirse para tener la oportunidad de que te escuchen en la radio. Los europeos son mucho más receptivos… conocían a Robert Cray, Stevie Ray Vaughan o incluso, ahora, a Jeff Healey mucho antes que los estadounidenses. Los jóvenes que se interesan por el blues actualmente, lamentablemente, se quedan con los músicos blancos y no conocen a Skip James, Blind Lemon Jefferson, Son House, Leadbelly, etc., porque sus discos están un poco pasados ​​de moda y no los ponen en la radio. Sin embargo, yo prefiero las producciones de esa época: más directas, más emotivas. Cuando tenga 60 años, me gustaría dedicarme a la producción, no por dinero, sino para recuperar una energía y un sonido naturales: un estudio sencillo de cuatro pistas, micrófonos y efectos de antaño. No creo que el sonido haya evolucionado realmente en los estudios digitales y de 32 pistas. Los primeros discos de Chess se grabaron en dos pistas, Buddy Holly, Cochran…

¿Y ahora no te interesa producir?

Me han sugerido algunas cosas, pero mi agenda es demasiado apretada. Y la gente de las discográficas es muy cerrada de mente; desconfían si no usas las técnicas de grabación de la alta sociedad. Recuerdo noches en vela trabajando sin descanso para encontrar sonidos y efectos interesantes. Los músicos jóvenes son perezosos y dejan que los técnicos se encarguen de todo. Dicho esto, ahora hay mucha buena música. Me gusta mucho The Clash, su mentalidad y sus ideas, pero rara vez la producción fue buena. La producción es un problema: si no contentas a todo el mundo (jefe de prensa, representante de la discográfica, productor, etc.), acabas como yo, en una situación donde un día hablas con la discográfica y al día siguiente, todo se acaba. Hay una guerra fría que dura años.

¿Siempre llevas seis guitarras de gira?

 

Sí, es mi único lado burgués. Guitarras que he ido acumulando con los años. Las uso todas más o menos. Tengo distintas afinaciones abiertas, distintos acordes. No soy coleccionista. En Estados Unidos, puedes comprar una guitarra por el precio de dos copas en un bar francés. Es muy útil en el estudio: cuando la Fender y la Gibson suenan demasiado sofisticadas, ¡una guitarra de tres dólares a veces saca el máximo partido!

¿Qué afinaciones abiertas usas?

Acústica, la misma que Bert Jansch: Dadgad. Muy country. Si no, afinaciones abiertas en La, Mi y Sol. Nada poco convencional, excepto en casa para componer.

No usas mucho el vibrato…

En el estudio, la última vez… pero me parece demasiado común y el vibrato de mi Strat se rompió por dentro hace unos 10 años.

¿Cómo está tu Strat del 61?

Trastes cambiados, mecánica nueva, pastillas de segunda generación (¡las originales se cayeron!). Micros de fábrica normales; bloqueé un dial y le puse un selector de cinco posiciones.

¿Qué pedales? ¿Amplificadores?

Tengo un pedal de octava, un compresor, un Tube Screamer y un flanger. En el amplificador, un delay pequeño para una repetición muy ligera y un ecualizador gráfico. El amplificador es un combo Marshall o un Vox AC30, conectado a un cabezal Marshall JMP y tres altavoces Marshall, cada uno con cuatro altavoces de doce pulgadas. Olvidé el filtro de reducción de ruido justo antes del amplificador. No me gustan los racks: en el estudio, prefiero usar mis efectos directamente en la grabación. Si el sonido es bueno al principio, solo puede ser mejor al final.

¿Has visto a Jeff Healey?

No, pero lo conozco. Su técnica es muy peculiar. Los únicos que la han usado antes son Roger Miller y Thumbs Carlisle, con un estilo más country. Pero encuentro su material un poco flojo: quizás con más experiencia y otras canciones… Lo más impresionante es la energía, como cuando escuchas a Mike Bloomfield por primera vez. Me gustan mucho los estadounidenses: Jeff, Stevie Ray Vaughan, todos tocan el estilo Strat, un estilo creado por B.B. King o Albert Lee, pero también deberías escuchar a alguien como John Hammond. Él no toca la guitarra solista, sino acordes planos, como una mezcla entre John Lee Hooker y Robert Lockwood. Solo tocar solos se vuelve aburrido rápidamente. Intento trabajar en ese sentido: más rítmicamente, con acordes dobles y, sobre todo, con sentimiento… para que cuando hagas un solo, realmente despegue. Improviso mucho en el escenario. Excepto en algunas canciones como «Kickback City», que es una especie de himno, el estribillo está un poco arreglado; también repito las dos primeras partes cada noche, pero luego improviso. En el blues, intento tocar como los instrumentos de viento metal de una big band. La estricta escala pentatónica se vuelve aburrida rápidamente. También me gusta el rockabilly/Buddy Holly con dos acordes. Pero, sobre todo, ¡intento tener un estilo Gallagher!

Un estilo muy variado que cualquiera puede disfrutar en concierto durante dos horas de rock sin concesiones, con toques de hard rock y jazz, y algo de influencia hispana. Una fiesta eléctrica con la banda: Gerry McAvoy (bajo), Brendan O’Neill (batería) y Mark Feltham (armónica). Después, a solas con la guitarra acústica, que permite escuchar sus letras, que tienen el mérito de ser originales y de exponer, en himnos rebeldes o baladas country, toda su alma libertaria.

“Cuando era vaquero y las balas silbaban a mi alrededor…”

Abelardo Navarro - 15/11/2025 - The Cavern (Liverpool).

01/03/1982 Para animar el ambiente.

Para animar el ambiente

—¿Hablas irlandés? —preguntó Rory Gallagher a Hervé Picart. En respuesta, el Tío Gilito abrió una Guinness tibia. La conversación, entonces, podría empezar bien.

En algún lugar de Europa. Un hotel moderno y enorme que apesta a tarjetas de crédito y aire acondicionado. Tras los gruesos ventanales, un suburbio como cualquier otro, con la inevitable circunvalación actuando como una constrictora de hormigón alrededor de una ciudad brumosa. Desde el vasto vestíbulo del hotel, semejante a un acuario, se percibe a lo sumo un zumbido amortiguado: los espasmos urbanos no deben perturbar a los financieros que negocian. En esta atmósfera estéril, la clásica y grisácea fauna de quienes están allí por negocios. Todo esto me recuerda aquel cruel relato en el que Villiers de Miale Adam utiliza exactamente las mismas palabras para describir primero la morgue de París y luego a un famoso magnate financiero en los grandes bulevares. La visión de estos zombis remilgados y correctos viviendo bajo la anestesia perpetua de la corrección y la convención es, en efecto, mórbida, macabra, especialmente cuando uno imagina los impulsos caníbales que habitan en todas esas mentes. Y luego están también estas mujeres, o bien estas mujeres empolvadas, con cara de faisán, con su fuerte perfume a Chanel, sus curvas exuberantes, pero con la sonrisa congelada por su último éxito, o, peor aún, estas jóvenes y refinadas fulanas que alquilan los burdeles de lujo del brazo de apuestos protectores con el pelo engominado y barrigas nobles.

Brrr. Un carrusel siniestro. Pero de repente, algo se altera en este ballet sombrío. Una nueva incongruencia ha animado la escena. Es como si el aire se hubiera calentado de repente. Sin duda, una falla en el sistema de esterilización: un soplo de vida acaba de penetrar esta asepsia generalizada. En realidad, es simplemente un tipo de pelo largo con andar de marinero que acaba de entrar en el hotel. Una peculiaridad encantadora: desde que observo las idas y venidas en la entrada del Bromotel, es el primero que veo llegar de fuera con un vaso de whisky en la mano. Eso bastó para que identificara a Rory Gallagher. Lo asombroso de este irlandés travieso es que, tanto si aparece en escena como si irrumpe en la habitación, sucede prácticamente lo mismo: una repentina oleada de calor embriagador, una especie de dichosa sensación de bienestar que te inunda. Su vaso de whisky cumplía aquí la misma función que su vieja y maltrecha Stratocaster en un concierto. ¡Menuda entrada! Rory es de esas personas que te cautivan con su carisma antes incluso de pronunciar una sola palabra. En ese sentido, se parece un poco al Padre Gabriel. Y entonces, con unas pocas palabras breves y amables, una mirada profunda y seductora, y una palmadita amistosa en la espalda, te envuelve, te transporta, y sientes por él una simpatía tan irresistible como la que sientes por un viejo amigo de veinte años.

Desde que se dedicó a la música, interpretando al aventurero del rock 'n' roll, apenas ha cambiado.

En parte por eso no situé este encuentro en un momento o lugar específico. Podría haber ocurrido en cualquier parte del mundo, en cualquier momento desde principios de los setenta: Rory siempre ha estado ahí, inmutable, actuando, adorado, riéndose de las modas y atrayendo a todas las generaciones de jóvenes a sus conciertos, creando a su alrededor y a su música icónica la imposible unión sagrada de todas esas pequeñas sectas que conforman el público del rock. En muchos sentidos, Gallagher es el rock 'n' roll. Todavía conserva ese rostro cautivador que tan bien le sienta a su música, aunque sus rasgos se hayan vuelto un poco más complejos, aunque su silueta se haya ensanchado. Sigue vistiendo sus camisas de cuadros rústicas, y su abrigo de pescador completa su look, dándole un aire de tipo duro del rock 'n' roll. Posee un espíritu atemporal, este hijo indestructible de Eire, tan intocable como su vibrante rock, que ha trascendido tantas modas y sigue conmoviendo a quienes ansían energía pura.

En el ascensor que nos lleva a un lugar tranquilo, lejos de la música del hotel que se pega a la piel como el calor tropical, continúa bebiendo su whisky. Y sus manos me fascinan: delgadas, fuertes y meticulosamente cuidadas, las manos de cualquier joven. Solo me preocupa el temblor que los sacude, pero Rory está de gira, vive en la calle, y prefiero atribuir este temblor al contexto, en lugar de verlo como la influencia del líquido ámbar y afrutado que el irlandés disfruta con la serena confianza de un bebé.

UN PLACER

La conversación despegó rápidamente mientras las botellas de cerveza espumaban frente a nosotros. Y enseguida derivó hacia las embriagadoras cervezas irlandesas, recuerdos de Smithwick's o Harp, y hacia los misterios de la enigmática Guinness. Para ir calentando motores, llena una pinta con dos tercios de esta seductora stout y un tercio de un buen Jameson o IrishPower. Así entenderás mejor las confidencias de Rory. Bueno, al menos conseguí que el tipo se uniera a mi círculo de periodistas.

Hervé Picart: ¿Qué opinas de tu situación actual en el rock? Periódicamente te dicen que estás desfasado o que te han olvidado, pero llenas más salas que todas esas bandas de moda que aparecen de repente y reciben alabanzas sin parar.

Rory Gallagher: No es fácil de interpretar. En definitiva, siempre me ha preocupado tocar mi música como yo quería, sin prestar demasiada atención a lo que sucedía a mi alrededor. Siempre hay tendencias y gente que las sigue, y también es cierto que la prensa y los medios de comunicación se dedican a ello. Lo que la prensa hizo por la new wave fue enorme, y algunos dicen que inicialmente fue más un fenómeno que otra cosa. Bueno, en lo que a mí respecta, no me beneficia esa publicidad; casi nunca se habla de mí. Creo que no soy un buen tema. Y como siempre estoy de gira por el mundo, a veces en Estados Unidos, a veces en Australia, sucede muy a menudo que la gente en Inglaterra cree sinceramente que he desaparecido, que ya no estoy de gira, que ya no toco rock. Al fin y al cabo, es culpa mía: nunca me preocupó seguir tal o cual moda. Siempre he tocado mi música como la sentía: un poco de rock, un poco de blues, un poco de mitología y blues, y eso es todo lo que veo. Y mientras transmita emoción, energía y placer, no tengo motivos para buscar más. Además, estas modas son tan pasajeras que no hay forma de frustrarse con ellas. Bueno, vale, pero soy feliz así, y parece que a los demás no les disgusta, si me creen. Dicho esto, no tengo nada que decir a favor ni en contra de las modas, de este o aquel capricho; estoy totalmente fuera de este sistema, no soy un imbécil.

H.P.: Si te fijas en lo que hicieron los Rolling Stones, que también tuvieron una larga y exitosa trayectoria, siempre se aferraron a las modas pasajeras, sin duda atraídos por el deseo de experimentar con esos nuevos ritmos y sonidos. ¿Nunca has sentido la tentación de apropiarte de una nueva melodía que has escuchado en la radio?

R.G.: Creo que los Rolling Stones son fundamentalmente una banda de rhythm and blues, una banda de rock, se podría decir; esa es su verdadera naturaleza y ahí es donde mejor se desenvolvieron. Claro, además de eso, hicieron disco, reggae, pero eso es secundario y no creo que sea esencial para ellos. Me gustaría ir más allá de lo que ya existe, y encuentro interesante a una banda como The Clash con su enfoque de beber de todo tipo de géneros y hacer un poco de todo: reggae, rock, etc. Pero yo no sabría cómo hacer eso. De hecho, me gusta la música densa, como el rhythm and blues o el hard rock, porque siento que esta música tiene, ¿cómo decirlo?, raíces profundas. Cuando la escucho, siento algo sólido. Pero todo lo que está de moda es demasiado pop para mí; es música que... Suenan como tus superestrellas. No me gustan las canciones pop, definitivamente. Para mí, no tienen el mismo propósito que el mío. Bueno, al fin y al cabo, cada uno tiene sus gustos (hay estilos de todo tipo, electrónica, reggae...). Creo que lo esencial para un músico es dejarse guiar por lo que le gusta, y eso es lo que he hecho durante los últimos diez años. Si tuviera que definir mi música, diría que es cualquier música que me dé placer al tocarla.

H.P.: Parece que en Francia ahora mismo el público se siente más atraído por lo seguro, por artistas con experiencia que les garantizan entretenimiento. Se habla mucho de Gary Numan, aquí como en otros sitios, o de otros artistas de ese estilo, pero es Gallagher quien atrae a las mayores multitudes. ¿Lo has notado tú también?

R.G.: Sin duda. Pero, en primer lugar, el rock tiene mayor atractivo, popularmente hablando, que la música electrónica o las formas experimentales. Hay más gente en mis conciertos que en los de Numan, por poner un ejemplo, y eso se debe en gran medida a la naturaleza de la música. Numan tiene una apariencia clínica y fría, un sonido frío; el rock como el mío busca el sudor y la energía, así que es más humano y, por lo tanto, más accesible a un público más amplio.

UN ESTILO

H.P.: Durante diez años has estado de gira por el mundo y a menudo has estado desempleado. Con cada año que pasa, te embarcas en giras mundiales cada vez más largas. La vida tiene un componente de maratón. ¿Qué sientes al empezar cada nueva gira, como esta?

R.G.: Si maratón significa carrera, pues no me siento un maratoniano. Es cierto que trabajamos muy duro, que vamos a todas partes —EE. UU., Europa, Australia, Japón— pero al hacerlo, no lo hago para demostrar nada a los demás.

Me encanta ir de gira; adoro este estilo de vida. No veo por qué sería una actuación solo por cobrar. Es cierto que muchos músicos lo hacen por obligación. Algunos lo odian, otros se aburren, otros simplemente le tienen miedo al fuego; yo lo amo, no le doy ningún mérito especial, es una felicidad para mí, un espíritu libre, creo que soy muy afortunado de poder vivir así.

H.P.: Pero, durante estos diez años, ¿no has sentido que has cambiado, evolucionado, personal o musicalmente? Si tu esencia es la misma, ¿ya no eres el mismo Rory Gallagher?

R.G.: Estoy evolucionando, sin duda tanto a nivel personal como musical, pero no de forma drástica, creo. En mi música, la evolución ha sido gradual y siempre dentro de los principios que me han caracterizado desde el principio. En esencia, siempre he tenido el mismo enfoque hacia la música. No soy de los que pueden desprenderse voluntariamente de sus raíces, de su herencia. Quiero progresar, pero siempre manteniendo mi conexión con el blues y el rhythm and blues.

En realidad, me gustan muchos tipos de música. También está el hard rock, el rockabilly, la música cajun, cualquier música con ritmo. Mi objetivo, mi progreso, no es tener una relación superficial y formal con estos géneros, sino profundizar cada vez más en ellos y comprenderlos hasta el punto no solo de interpretarlos, sino de componer buenas obras, de ser capaz de crearlos. Pero hay otros tipos de música, como la electrónica, que simplemente escucho, la música ambiental, Tangerine Dream, Eno, pero no siento la necesidad de interpretarla porque no va conmigo como músico.

H.P.: Por fin has encontrado tu lugar en estilos musicales consagrados. No pareces pertenecer a esa clase de músicos que solo se consideran realizados cuando han creado una obra maestra tan única como ellos mismos. Gabriel toca a Gabriel, y Gallagher toca el blues.

R.G. En realidad no es eso. Antes de morir, quiero dejar un legado: el sonido Gallagher, el estilo Gallagher. Ahora bien, no creo que se trate necesariamente de ser fundamentalista, de seguir una línea específica. Creo que una de las formas de creación más bellas la dio Ornette Coleman, el saxofonista de jazz, quien logró crear un arte totalmente individual y, por lo tanto, original, basado en el jazz. Ser uno mismo no significa necesariamente ser diferente a los demás. De hecho, hay personas como Peter Gabriel que tienen este enfoque, aunque creo que Gabriel toca principalmente rock progresivo que se inspira en el ritmo, como yo en el rhythm and blues.

Ambos traducimos nuestras raíces a términos más individualizados. Personas como Stocknausen, o en el jazz, Pharoah Sanders o Archie Shepp, son verdaderos experimentadores. Pero creo que también se puede dejar huella en aquello que no se ha explorado, y creo que yo lo he hecho. La música o el rock son, de hecho, un punto de partida para encontrarme a mí mismo: me construyo a partir de mis raíces; no soy lo suficientemente visionario como para proyectarme completamente hacia el futuro. Además, creo que incluso los más grandes experimentadores parten de sus raíces. Un escritor tan joven como Joyce también estaba profundamente influenciado por todo lo que le había precedido.

H.P.: Hablas de tus raíces en el rhythm and blues, y esta música es sin duda uno de los ingredientes básicos de la mayoría de los grupos irlandeses, ya sean Thin Lizzy o The Boomtown Rats. ¿Cómo lo explicas?

R.G.: En realidad, es difícil de explicar. Es cierto que la mayoría de los grupos irlandeses tienen algo que ver con el rhythm and blues. Creo que se debe a la importancia que tienen para nosotros bandas como los Stones o The Animals, que estaban profundamente arraigadas en el rhythm and blues. Van Morrison fue el primero, y el rock irlandés siempre ha tenido influencias de este estilo. Antes pensaba que el rock irlandés era bastante diferente del rock inglés. Él pasa por Londres, nosotros vamos en la misma dirección, pero a su propio ritmo, y creo que gente como Mo en el blues, Lizzy en el hard rock, los Rats, The Undertones o Stiff Little Fingers en la new wave, todos tienen un enfoque irlandés del rock, un enfoque realmente único, especialmente una forma particular de hacer las cosas, creo.

PERSPECTIVA PERSONAL

H.P.: En tu trayectoria profesional, has seguido un camino similar al de Johnny Winter.

 

Empezaste con el hard rock, alejándote de los estilos tradicionales, luego volviste a formas más puramente gaélicas u holandesas, con un regreso a la música acústica, y ahora te inclinas cada vez más hacia el rock eléctrico. Exactamente igual que Winter.

R.G.: Se ha dicho de mí que sería una especie de Winter irlandés, pero es pura coincidencia. Hay una gran diferencia entre él y yo: yo escribo mis propias canciones y él compone muy poco. Además, soy más tradicional de lo que creo. Pero también tenemos puntos en común: el blues acústico, tocar el arco y gustos musicales compartidos. Aun así, me considero más progresista que él, ya que creo que estoy evolucionando desde mis propias experiencias hasta celebrar cada estilo.

H.P.: Para el escenario, prácticamente habéis vuelto al formato de trío, dejando de lado los teclados. ¿Es este vuestro formato preferido?

R.G.: Sin duda. El trío es el formato de banda de rock que ofrece mayor libertad a cada músico. Además, obliga a cada uno a estar en dos sitios a la vez, a mantenerse constantemente rítmico y melódico.

Esto evita que te desvíes del camino y te proporciona un gran equilibrio musical. Y, cuanto menos sois, más podéis improvisar y cambiar los arreglos; os entendéis mejor, la improvisación es más fácil y, por lo tanto, es más disfrutable porque se rompen las partes monótonas y repetitivas de la música, a diferencia de un grupo más grande, que solo puede mantenerse unido aferrándose a lo acordado previamente.

H.P.: ¿Acaso esta fórmula no refleja a la perfección el egocentrismo del guitarrista principal? Rara vez has tocado con otros guitarristas en tu banda: ¿disfrutas compartiendo ese rol?

R.G.: No sé si soy egocéntrico. Me gustan los dúos de guitarra en Thin Lizzy y otras bandas, pero no siento la necesidad ni el deseo de ocultarlo. Sí, quizá el trío sea una forma de egocentrismo del guitarrista. En ese caso, me gustaría que me dijeran que soy tan egocéntrico como Jimi Hendrix; estaría muy, muy feliz. Francamente, mi enfoque de la guitarra, que mezcla constantemente ritmo y solo, no requiere otra guitarra en la banda; creo que esa es la razón por la que... siempre estoy solo.

H.P.: Con Taste, empezaste con hard rock, pero enseguida te negaste a seguir tocando el papel de superhéroe de la guitarra metalera. ¿Por qué?

R.G.: Creo que no tuve el valor para tocarlo. No se trata solo de tocar solos de hard rock. Están los gestos, el amplificador Marshall y todo eso, y me aburrió muy rápido. Me gusta la extravagancia del hard rock, y por eso lo toco, pero no sabría hacerlo todo. Soy un melómano curioso al que no le gusta sentirse limitado, y además, no creo tener la capacidad para lidiar con la intensidad del hard rock. Me gusta esta música, pero no en sus formas más extremas. De hecho, la encuentro bastante limitante, restrictiva. Bandas como Motörhead, Iron Maiden o Saxon hacen muy bien su heavy metal, pero me gustaría más variedad, más fantasía musical, en lo que hacen. Por eso prefiero bandas más flexibles como UFO.

H.P.: Para quienes recién descubren a Gallagher e Iron Malden y no saben qué álbum elegir de su extensa discografía, ¿cuáles considerarías las mejores introducciones?

R.G.: Desde el punto de vista de la producción, creo que el más convincente de los últimos álbumes de estudio es Top Priority. La introducción sigue siendo mi favorita. Personalmente, le tengo mucho cariño a "Tattoo", es mi favorito de mis primeros álbumes.

UN SOLO PAÍS

H.P.: Nos resulta bastante sorprendente a los franceses, tan propensos a politizarlo todo, que con los problemas de Irlanda del Norte, los grupos irlandeses más conocidos, como Lizzy, The Boomtown Rats o incluso tú, nunca hablen del tema.

R.G.: Huelga decir que tengo mi opinión sobre lo que ocurre en Irlanda, pero es algo demasiado complejo y serio como para resumirlo en unas pocas palabras. Creo que Irlanda debe volver a ser un solo país, que el Ulster es un país artificial que se mantiene con vida, que solo la reunificación de Irlanda tiene sentido. Bueno, esa es mi opinión. Es solo mi opinión. La canción política existe en Irlanda y es muy poderosa. Refleja todas las opiniones. Crecí escuchando himnos políticos; hay buenos cantantes políticos, pero después de un tiempo, me parece inútil, incluso inapropiado. Algunos grupos irlandeses, como Stiff Little Fingers, han escrito canciones muy potentes sobre este tema. Pero en el caso de este grupo, la música es más social que verdaderamente política: Estas son reacciones emocionales de gente que expresa cómo es vivir en las calles de Belfast. Políticamente, eso no tiene mucha repercusión, y creo que un compromiso político debe ser constante en su intento de desbloquear las cosas, y las canciones nunca serán suficientes para eso. Me sentiría inútil proclamando mi opinión en mis canciones. Sé que este punto de vista debe sorprender a los franceses, con la fuerte tradición que tienen en este ámbito. Lo que no me gusta es que las canciones políticas se conviertan en un género, un ejercicio estilístico cuyo contenido desaparece gradualmente. Y no pretendo hacer el rock más serio de lo que ya es. No se puede entretener a la gente con pesadillas. Bueno, no quiero decir que haya que encadenar tonterías como:

“¡Rock! ¡Rock! ¡Rock! ¡Amor! ¡Amor! ¡Toca! ¡Sí! ¡Sí!” Pero la profundidad y la filosofía estropean el rock. Me gustan las letras eclécticas que encajan bien con un riff, y sobre todo que no resulten pesadas cinco años después cuando quiera volver a cantar la canción.

H.P.: Para los franceses, Irlanda es Guinness, la selección irlandesa de rugby y Rory Gallagher. Cuando estás en Irlanda, ¿sientes cierto orgullo nacional por tu nombre?

R.G.: La verdad es que los irlandeses están muy orgullosos de un irlandés que es una figura clave en todo el mundo. Los ingleses ven a sus grupos musicales como productos de consumo, mientras que los irlandeses los consideran emanaciones del país y están genuinamente orgullosos de ellos. Pero es normal, porque es un país muy pequeño.

En cualquier caso, este pequeño país ha visto nacer a uno de los rockeros más grandes del mundo, y uno de los más entrañables. Nunca le ha hecho daño a un país que su embajador sea querido por sí mismo.

Irlanda pronto estará un poco en Francia gracias a Rory, que regresa con un nuevo álbum y una nueva gira, emocionante y amena, como siempre sabe hacerlas. Es curioso, ya verán, si nunca lo han visto: ya sea después de una entrevista o un concierto de nuestro querido Gallagher, siempre te queda la sensación de haber hecho un nuevo amigo.

Harve Picart

 

 

ByWater Call - 08/11/2025 - Sala El tren (Granada)

 

01/11/1974 Los fans se entusiasman con Rory Gallagher.

Los fans se entusiasman con Rory Gallagher

Uno de los verdaderos problemas de ser fan del rock hoy en día es que tiene muy poca voz en el espectáculo que ve en el escenario.

El concierto de Rory Gallagher del viernes por la noche en el Forum es un buen ejemplo.

Originalmente programado como un cartel íntimo con solo el virtuoso guitarrista Gallagher y los británicos Nazareth, una agencia de contratación (¿dónde si no en Nueva York?) insistió en añadir a Rush, de Toronto, al cartel. Tres bandas en un mismo cartel es demasiado, especialmente cuando son tan malas como Rush, un grupo que incluso tuvo que copiar su nombre de los Mahogany Rush de Montreal.

Así que, la legión de fans de Gallagher, ansiosos y entregados, tuvo que esperar hasta casi medianoche para que el plato fuerte subiera al escenario. Para entonces, todos estaban algo cansados ​​de estar sentados, los ánimos estaban caldeados (se produjeron al menos dos peleas, algo raro en el Forum), y el concierto duró hasta la 1:30 de la madrugada.

Pero la mayoría estaría de acuerdo en que valió la pena la espera. Casi 7.000 personas llenaron el Forum Concert Bowl, prácticamente agotando las entradas, y el joven guitarrista irlandés sigue consolidando una base de fans muy sólida en esta ciudad con su virtuosismo despreocupado y sin pretensiones.

Desde la primera nota de "Messin' With the Kid", no cabía duda de que Rory venía a darlo todo al inaugurar su segunda gira americana consecutiva en Montreal, y vaya si lo hizo. Para cuando llegó a su apoteósico final, "Bullfog Blues", casi todo el mundo estaba de pie, bailando al ritmo de la música.

El satisfactorio espectáculo de Gallagher nunca decae, gracias en gran parte al excelente apoyo al teclado que recibe Rory del enérgico Lou Martin, quien se transforma en un virtuoso cuando se le da rienda suelta en un solo, al igual que Gerry McAvoy al bajo, quien realizó un breve solo en "Bullfrog Blues" que le valió una ovación de pie (¡para un solo de bajo!). Para cuando Rory terminó, todos sabían que habían disfrutado al máximo, y no cabe duda de que este músico con gran popularidad, como dice una de sus canciones, volverá a su ciudad en unos meses.

El concierto de Nazareth arrancó con fuerza con algunos temas potentes y llenos de riffs como "Hazaman-az", pero pronto decayó a la mitad. Afortunadamente, el grupo se recuperó (con la ayuda de hielo seco y efectos de iluminación especiales) en los dos últimos temas y recibió (al igual que Gallagher más tarde) una entusiasta petición de bis.