01/02/1992 entrevista de Christian Gouffre para Rock & Blues.

 

Rory Gallagher rinde homenaje a sus mentores, relata sus orígenes y detalla su equipamiento, solo para ti.

¡SOY UN CURRANTE DE LA MÚSICA!

Desde la bruma irlandesa hasta la embriaguez de las tabernas de Hamburgo, desde los pubs de Ballyshannon hasta los escenarios de los festivales más importantes, la épica trayectoria de Gallagher ya es legendaria. Desde su primera guitarra a los nueve años hasta el análisis de sus últimos álbumes.

Alain Dister (Guitare n°6) ya había allanado el camino, ofreciendo a los ávidos lectores un retrato del campeón irlandés del blues-rock. Así pues, con las bases sentadas, nos centramos en profundizar en ciertos puntos, preguntándole en particular, durante esta entrevista, sobre cuestiones técnicas e históricas que rara vez se habían abordado hasta ahora.

Según revistas y libros, vuestra primera banda, Taste, no tenía la misma formación: NME, por ejemplo, menciona la formación más conocida, la de Charlie McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Guitar Player, por su parte, habla de Eric Kitteringham y Norman Damery. ¿Quién tocaba y cuándo?

En 1955 estaba en Hamburgo, tocando en clubes, luchando con un trío, pero todavía no tenía mi propia banda.

Este trío fue el origen de Taste, que a veces se confunde con el grupo original. En realidad, fue un grupo temporal, improvisado. Durante dos años, toqué con los otros dos. Este trío no dejó huella significativa: existe una grabación, pero no es representativa de lo que hacíamos. Así que toqué con los cuatro: Kitteringham/Damery y McCraken/Wilson.

Empezaste en los 60, justo en la época de Jimi Hendrix. ¿Pudiste superar su influencia?

Mis influencias son anteriores a Hendrix: Chuck Berry, Eddie Cochran, Bill Haley, artistas de blues como Muddy Waters y Lead Belly. Pero claro, también está Hendrix. Lo vi tocar dos veces. Lo admiraba mucho, pero nunca intenté tocar como él: su música era mucho más electrónica de lo que yo quería hacer.

Jimi llegó demasiado tarde para tener un impacto profundo en mí.

Era un tipo fabuloso, un compositor brillante: el nuevo Chuck Berry.

Mencionaste a Muddy Waters, y que grabaste con él...

Me lo ofrecieron. Todo empezó con Al Cooper. Se suponía que iba a trabajar en este disco y, por alguna razón, abandonó el proyecto. Simplemente lo dejó todo a medias. El nuevo productor me contactó. No fue una sesión fácil: Muddy Waters, la mitad de su banda y un montón de artistas invitados. Es genial invitar a estrellas, pero cuando se convierte en una supersesión, todo se complica y el artista invitado se queda sin opciones. Pero, sin exagerar, ¡no salió tan mal! Steve Winwood estaba allí. Mitch Mitchell... ah, sí, Georgie Fame... fue un gran momento para mí. Muddy Waters es tan simpático que no intimida; sabe cómo hacer que la gente se sienta cómoda.

¿Una experiencia positiva, entonces?

¡Por supuesto! Cuando ves a Muddy Waters, sentado en su asiento, y empieza a tocar de forma fantástica en cuanto empieza a rodar la cinta, ¡no hay palabras para describirlo! Con él, todo es natural. Muchos músicos dependen de la electrónica de estudio para crear su música. Con Muddy Waters, todo es magia. La forma en que proyecta el sonido es fascinante. En aquel entonces, él tenía cincuenta y tantos años, y yo me sentía como un niño pequeño a su lado.

También grabas de una forma un tanto artificial...

¿Quién? Los avances y tendencias tecnológicas nos han obligado a usar más la electrónica. Hemos pasado de la época dorada del rock and roll a la del hard rock.

Las cosas se han vuelto más complejas. Pero en ciertos temas, sin sobregrabaciones ni otras manipulaciones, tengo un enfoque bastante similar al de Muddy Waters: sin florituras, algo tiene que surgir durante la sesión.

Ya has hablado de tus influencias, pero algunos dicen que te influyeron principalmente los Kings (B.B, Albert, Freddie...).

Ante todo, soy un apasionado de la guitarra. Algunos melómanos dicen que no les gusta nadie más, que solo existe B.B. King: ¡Me parece una visión simplista! Si vieras mi colección de discos... Abarca desde Lonnie Mac hasta Freddie King, pasando por Buddy Guy, Ry Cooder, Keith Richards, John Hammond... ¡No soy monoteísta en este tema!

Todos los guitarristas aportan algo a mi música, incluso si no son guitarristas solistas. Escucho a todo el mundo, a miles de personas.

¿Cómo puedo decir quiénes me influyeron directamente? Claro, de niño practicaba con las canciones de Buddy Holly, Jimmy Reed y Muddy Waters. Cuando de verdad te interesa la guitarra, estudias discos, los analizas.

¿Existe siquiera el rock irlandés?

Estamos conectados con el rock inglés, por supuesto, pero tenemos nuestro propio estilo; basta con ver a Thin Lizzy, Van Morrison, etc. Lo que hago está definitivamente relacionado con Europa en general, pero ser irlandés me hace ver las cosas desde una perspectiva diferente, estoy seguro.

Tus afinaciones a veces lo demuestran...

Utilizo afinaciones, dos o tres, tomadas de la música folclórica; por ejemplo, una afinación en re menor. La cuerda de La se deja en Fa, y para obtener el acorde mayor, hay que colocar un dedo en el primer traste de la tercera cuerda: algo muy inusual. Lo usé notablemente en "Out on the Western Plain" de Leadbelly. Y hay otra afinación, con un marcado espíritu irlandés, y frecuentemente utilizado por David Graham (quien es escocés). Empezando desde abajo, es: Mi-La-Re-Mi-La. La cuerda de Fa está afinada en Mi, y la de Si en La... Pero nunca he podido usar esta afinación en una grabación. Probablemente estas sean mis principales influencias de la música celta. Para el bottleneck, suelo tocar con afinación estándar, como también hace Earl Hooker. ¡Joni Mitchell tiene toda una colección de afinaciones!

También trabajaste con Peter Frampton...

Hicimos una sesión con Jerry Lee Lewis, "Jerry Lee Lewis In London".

Fue antes de que Peter se fuera a Estados Unidos y se convirtiera en una estrella. Una buena sesión. Jerry Lee Lewis estuvo fantástico, totalmente convincente, natural. Con él, simplemente conectas el micrófono y grabas, el resultado es fabuloso. A lo sumo, está un 1% menos pulido que en el escenario. ¡Eso lo dice todo! Tiene personalidad.

Esa es la diferencia entre estos tipos y las bandas más recientes, que primero añaden una caja de ritmos, luego un bajo, etc. Al final, ¡la banda nunca toca con su formación completa! Es un sistema metronómico. La música de Lewis y los demás es más natural, tiene sentimiento, e incluso si el tempo es ligeramente irregular, prefiero eso a un estilo frío y elitista.

En 1970, Taste se separó... ¿por qué?

Después de unos años, las cosas simplemente se esfumaron. El 90% del tiempo, todo iba de maravilla, algo que preferíamos no comentar, pero un día algo falló.

¿Problemas personales?

Principalmente problemas de gestión. Algunos me criticaron después de la separación del grupo, lo cual es ridículo. Decían que quería componerlo todo yo solo, cuando quien afirma eso jamás ha sido capaz de componer nada... Estas cosas pasan después de una ruptura, pero no es importante.

En 1971, era la Hory Gallagher Band: un trío. Luego se convirtió en un cuarteto. ¿Por qué estos cambios de integrantes?

A veces por motivos personales, a veces por motivos musicales. Mi primer baterista, Wilgar Campbell, se fue porque tenía esposa e hijo y no quería viajar.

Otros cambios se debieron a motivos musicales.

La incorporación del teclado de Lou Martin, por ejemplo...

Permite arreglos más amplios, haciéndolos más interesantes armónica y melódicamente. Es muy bueno, pero en definitiva, en 1979, quise volver a algo más flexible, a una estructura más libre, a la libertad de la fórmula bajo/batería/guitarra. Con un trío así, puedes empezar a tocar en un abrir y cerrar de ojos; no necesitas arreglar tanto. Sacarle el máximo partido a un teclado requiere mucho más trabajo.

A veces le han apodado "el guitarrista del pueblo". La propia revista Guitar Magazine lo llamó "el rockero de la clase trabajadora"... ¿Por qué esos apodos?

Creo que fue la revista londinense Songs la que acuñó ese apodo. No quiero ser un guitarrista de la alta sociedad, no soy un músico para salones de gala, aunque no me niego a ir a tomar algo a casa de alguien...

¿Es una forma de evitar los "peligros del mundo del espectáculo"?

En parte. Cuando surgió ese apodo, estábamos de gira con una furgoneta vieja y amplificadores de mala calidad: ¡éramos auténticos trabajadores de la música! Esta música tiene que seguir siendo natural, seguir rugiendo, eso es todo.

Tu Stratocaster de 1959 se ha convertido en una leyenda. ¿Qué otras guitarras usas en el escenario?

Principalmente una Strat de 1966. También tengo una Gretsch Corvet con pastilla P90, una Gibson, una Telecaster, una acústica Martin y una acústica National.

Para el estudio, en ciertas pistas, a veces necesito un sonido diferente al de las Fender: tengo una Gibson, por ejemplo.

Mi especialidad, cuando estoy en Estados Unidos, es empeñar guitarras: no busco modelos de 700 dólares, no, busco guitarras raras. Hay modelos así que usaban músicos de blues: Silvertone, Dan Electro, etc. Por otro lado, está la Dan Electro, etc. No se pueden tocar muy fuerte; tienen mucha retroalimentación, pero son geniales. Básicamente, todas las guitarras americanas tienen algo, y ninguna lo tiene todo. No soy coleccionista de guitarras; no tengo cientos, y no me interesan las antigüedades. Pero sí cuido los instrumentos que amo.

Tengo que mejorar todas las guitarras que poseo para poder usarlas en conciertos y en el estudio. Todo tiene que ser práctico; una guitarra no es realmente una guitarra si tienes que guardarla bajo llave en cuanto la dejas. Los instrumentos están hechos para tocarse.

En mis Fender, cambio los trastes por unos más anchos. Suelo elegir trastes Gibson. Si el mástil es viejo y está sujeto con cuatro tornillos, lo desmonto y deslizo un pequeño trozo de madera o cartón para inclinarlo un poco hacia atrás, y luego lo vuelvo a atornillar.

Si la guitarra tiene dos potenciómetros de volumen o tono, desconecto uno de cada uno: siempre busco la simplicidad. Los controles deben ser mínimos.

Eso es prácticamente todo lo que modifico. Sin embargo, hay cosas que merecen una pequeña inversión: por ejemplo, pocas guitarras tienen buenos controles de volumen y tono (marcas deficientes, demasiado rígidos o demasiado flojos para manejarlos). Pero nunca transformo una guitarra por completo. En mi Stratocaster, no uso el trémolo.

En cuanto al amplificador, a veces uso un ecualizador gráfico de cinco bandas. Así puedo realzar las frecuencias medias, por ejemplo, para darle a una Fender un sonido Gibson... O con una Gibson y un amplificador malo, el ecualizador me permite ajustar las frecuencias altas. De hecho, solo modifico los instrumentos para adaptarlos a mi estilo. Pero es cierto que trabajo mejor con una Fender. En mi guitarra favorita, por ejemplo, hay un selector de pastillas, un control de tono y un control de volumen. El resto es inútil. Algunos músicos van aún más allá: Eddie Van Halen, por ejemplo, solo tiene un control de volumen y un selector de pastillas. Yo prefiero conservar el control de tono: cuando la guitarra suena demasiado fuerte, sin bajar el volumen, puedes cambiarlo todo ajustando el tono.

¿Modificas tú mismo tus guitarras?

No, lamentablemente, ese es mi problema. Dos amigos míos, profesionales, sí lo hacen. Hay tantas pastillas en el mercado ahora que puedes compararlas, cambiarlas... pero yo siempre vuelvo a los modelos Fender estándar. Muy a menudo, al modificar una pastilla u otra, se pierden algunas de las cualidades que la hacían atractiva. Estuvo la moda de la "densidad cero", y todavía sigue vigente. Algunos descubrieron que la densidad de los materiales mejora el sustain, así que hicieron mástiles de aluminio, cuerpos de plexiglás... Y las guitarras adquirieron un sonido delgado y metálico. ¡Hacen guitarras tan pesadas, para conseguir sustain, que apenas puedes moverlas! Necesitamos volver a los diseños de los años 50.

¿Qué cuerdas usas?

Fender Rock & Roll: 0.10, 0.13, 0.15, 0.25, 0.32, 0.35. A veces cambio la cuerda más grave a una 0.40. En la acústica, uso cuerdas de calibre medio, Atwood (?) o, si las encuentro, Guild.

¿Tocar la acústica influye en tu forma de tocar la guitarra eléctrica?

Sin duda, me ha hecho más percusivo. Algunos guitarristas no quieren ni tocar una acústica. Se equivocan; mejora muchísimo tu forma de tocar. En cuanto a las púas, uso Herco Heavy. Están hechas con un compuesto que las hace muy duraderas. Son flexibles y duras a la vez. En el estudio, para las acústicas, uso una Fender de calibre medio.

Para que quede claro, ¿qué amplificadores usas?

Dos combos Marshall '51 en serie, con preamplificadores. Durante años tuve un Fender de los 50 (aún lo conservo), luego me compré un Ampeg. Al principio tuve un Vox. Siempre estoy cambiando de equipo. Actualmente, no me gustan tanto los combos.

A pesar de tu preferencia por un sonido "natural", usas pedales...

Un flanger y un overdrive Bose, si no consigo suficiente distorsión. También tengo otros pedales de efectos que uso de vez en cuando, pero la verdad es que no me convencen.

¿Nunca te ha inspirado la producción discográfica?

Sí, me encantaría producir a otros artistas... ¡En cuanto tenga tiempo! Pero ahora mismo las giras me consumen demasiado tiempo.

(Comentarios recopilados por Christian Gouffre)

DISCOGRAFÍA En Chrysalis: "Rory Gallagher" (202.648), "Deuce" (202.646), "Live in Europe" (202.647), "Blueprint" (202.645), "Tattoo" (202.649), "Irish tour" (300.695), "Against the grain" (202.641), "Calling card" (202.642), "Photo-finish" (202.643), "Top priority" (202.644), "Stage strike" (202.884), "Jinx" (202.408).

Con Taste (en Polydor): "Taste", "On the boards", "Live Taste", "Taste at the isle of Wight".